Buenas ideas

No para, no para. Esas son ganas de hacer cosas, de trabajar y de abrirse paso en un mundo tan difícil. 2008 está siendo hasta el momento el año más prolífico para Telmo Iragorri Bascarán, año en el que la calidad de sus creaciones va en una clara progresión ascendente. Es ahora con 22 años cuando las ideas fluyen más que nunca entre las creativas conexiones neuronales del joven donostiarra (afincado en ninguna parte). Último año de universidad para él, que se está convirtiendo en su primer año de verdadera carrera, con muchos proyectos entre manos, con la única intención de aprender y no parar de desarrollar sus cualidades como director, actor y guionista.

Ideas. Las hay buenas y malas, más de las segundas que de las primeras, pero sin embargo, por lo general, hay un momento en el que los dos tipos: las buenas y las malas, apasionan por igual al autor, ese momento de embriaguez creativa que Telmo ha sabido reflejar perfectamente. Una dialéctica interna, a veces dramática, de la que ha sabido sacar la cara más amable. Buenas Ideas se convierte así en su mejor corto. Impresiona todavía más la calidad del producto cuando se conoce su presupuesto: 0,00€. Una cámara de fotos que hace las veces de videocámara le es suficiente para hacernos reír a todos. El guión es muy bueno, pero no valdría tanto de no ser por el dinamismo logrado en la acción gracias al fluido montaje en el que conjuga un gran número de planos (muy superior al que nos venía acostumbrando). A ver si hay suerte y con Buenas Ideas, su tercer trabajo tiene la repercusión que se merece.

Por otro lado, me alegra anunciar que en breve podré colgar un nuevo cortometraje del mismo autor: Sala de espera. Valiente apuesta escenográfica en la que participamos alrededor de una decena de “actores” amateurs. Además ya hay un proyecto encima de la mesa para esta Semana Santa, muy parecido a Mus muerto, me cuentan.

Descubriendo Twin Peaks

Aunque parezca mentira, mi primer contacto con el director, guionísta, fotógrafo y dibujante David Lynch fue hace relativamente poco. Habrán pasado unos dos años desde que vi Eraserhead (Cabeza borradora). Realizada durante 5 años, fue estrenada en 1976, convirtiéndose así en su primer largometraje, una obra realmente extraña. Los gritos del repugnante feto, el pollo que se mueve y expulsa su relleno durante la cena, la escena de cama, etc. Toda la atmósfera que rodeaba el film no se me olvidará jamas. Fue acabar de ver la película e ir corriendo a hablar con mi madre, que era la primera que tenía a mano para soltar todo lo que había visto aquella tarde. En esa época no tenía ni idea de quién era David Lynch, fue una de las primeras películas que cogí de la biblioteca y la elegí por su portada, que destacaba sobre todos los clásicos de la pequeña filmoteca de mi barrio. Se había revelado ante mí un universo nuevo, un nuevo director, esto es, la oportunidad de devorar una filmografía desconocida. Curiosamente a partir de ese momento las referencias a Lynch y a su universo no paraban de aparecer en las revistas especializadas que comencé a consumir en aquella época. Este hecho me hacía sentir pequeño, por desconocer a alguien tan conocido entre los entendidos, pero a la vez importante. Había sido capaz de descubrir a este genio por casualidad, lo que provocó que el lazo entre ambos no sólo se sustentara en compartir el mismo nombre de pila.

En aquella época, mi amigo Telmo me había enganchado al mundillo de los cortos, así que me decidí a encontrar los de este sorprendente autor. Si Eraserhead fue cautivadora, sus cortos fueron algo más; me ayudaron a entender mejor al autor y su primera película, así como todas las posteriores. En el DVD Lynch va explicando como llega a realizar cada uno de los cortos que inauguraban su intachable filmografía: Seis hombres enfermos seis veces, El alfabeto, La abuela, La amputada y El vaquero y el francés. Así, por fin empecé a familiarizarme con este autor americano, fumador empedernido y amante del buen café. En un par de meses había visto la mayoría de sus películas. Aún hoy me queda por ver Inland Empire, elegida mejor película del año pasado por gran parte de la crítica. Todavía no la he visto porque me da miedo quedarme sin nada que poder ver de uno de mis directores favoritos; ya me ha pasado con Medem y lo estoy pasando un poco mal. Algún día hablaré de este genio donostiarra.

Creo que iba a hablar de Twin Peaks en esta entrada, ¿no? Os podéis imaginar que la serie es de Lynch, lo digo por la parrafada que llevo escrita sobre él. La empecé a ver hace unos días, no era la primera vez que la cogía de la biblioteca de la universidad de Swansea, pero no me atrevía a empezarla y no sé por qué. Puede que sea porque cuando era pequeño aborrecía la música de la serie, que me recordaba demasiado a una telenovela barata, quizá a Invitation to Love. No lo sé, creo que cuando era pequeño incluso tenía miedo a esta serie y no sé por qué. Es una de esas sensaciones que tienes cuando eres pequeño, de hecho, una sensación con sentido, la serie no es terrorífica, pero sí traumatizante para un niño de unos 7 años (esa era mi edad en el 92). ¿Quién mató a Laura Palmer? Con ese eslogan se hizo famosa la serie en España, además de por tener un episodio piloto que dura casi dos horas y que además fue estrenado en el Festival de Cine de Valladolid, algo sin parangón para una serie. Twin Peaks marcó una época, un antes y un después en la industria televisiva, dando el salto cualitativo que se necesitaba y todo ello gracias a un director como Lynch.

Hoy en día son cantidad las series de calidad que se emiten, sobre todo en EEUU. He ahí Perdidos, A dos metros bajo tierra, Los Soprano o Carnivale, por ejemplo. Esto no sería posible si no llega a ser por gente como Lynch, que dando ejemplo ha hecho de la televisión una plataforma para productos de calidad. Así pues, a lo largo de los años noventa, la televisión ha pasado de ser un medio marginado por los mejores profesionales audiovisuales a convertirse en el oscuro objeto de deseo de guionistas y actores, que en una buena serie encuentran un salario fijo y el éxito que muchas veces las películas no pueden dar. Ahí tenemos al señor James Gandolfini, nuestro Tony Soprano, cobrando 1 millón de dólares por capítulo.

P.D.: Twin Peaks en español está bien, pero la serie en inglés gana mucho.

SWEENEY TODD

El barbero diabólico de la calle Fleet. Un musical visualmente impactante. Tim Burton es uno de esos directores a los que puedes intuir detrás de la cámara, como no podía ser de otra manera, su sello se adhiere en cualquiera de los fotogramas de esta película también. La noche es oscura como el carbón y el día sólo deja entrar un poco más la luz. Los sueños son blancos y se llenan de luminosidad, la vida es una pesadilla y la muerte forma parte de ella. El corte profundo de una navaja en el cuello hace que la arteria expulse ese denso elixir rojo al ritmo que el corazón le marca, hasta ensuciar la pantalla y nuestras retinas.

Ayer en Swansea fue la protagonista de la noche.

Termina el culebrón Cronocrímenes

¿Os acordáis de Nacho Vigalondo, aquel que fue nominado al Oscar en 2005 por su corto Las 7:35 de la mañana? Pues resulta que ha realizado una película que mezcla terror y ciencia ficción: Los Cronocrímenes. En su estreno en la última edición del Festival de Terror de Sitges la acogida fue espectacular, pero resulta que hasta ayer ninguna distribuidora estaba dispuesta a pasear la película por las salas españolas. Para que os hagáis una idea de lo extraño del fenómeno la película ahora mismo se está presentando en Sundance y tiene desde hace tiempo su distribución garantizada en países como Francia o Estados Unidos, ya me diréis qué películas españolas son capaces de competir con las yanquis y además en sus cines. Hoy, por fin, Nacho afirma en su blog que la película va a ser distribuida en España y según dice podremos verla en los cines a partir de abril. Como pasa con Rec, el remake americano ya está en marcha, lo que supone otro aliciente más para no perdérsela.

Monotemático

Me refiero a mí mismo y a mi blog. Ahora vuelvo a repetirme con Eddie Vedder, cómo no. Lo hago porque anoche, en una gala sin guión, fue declarado en rueda de prensa ganador del Globo de Oro a mejor canción original por Guaranteed, una de las que se encuentran en la banda sonora de Into the Wild o Hacia rutas salvajes, tal como se ha traducido en castellano. Realmente no sé que se puede esperar de esta película pero la música es un reclamo suficiente para perder algo menos de dos horas de vida.

Podría comentar más cosas de la gala, de hecho lo voy a hacer. Julian Schnabel, neoyorkino casado con una donostiarra y como no podía ser de otra manera amante de esta ciudad, ha sido galardonado con el globo de oro a mejor película y director de habla no inglesa por un dramático documental que recuerda mucho al largometraje que Amenábar dedicó a Ramón San Pedro. La película se titula La escafranda y la mariposa. Puede ser que os suene el nombre, porque además de director, J. Schnibel (en la foto) es un artista multidisciplinar que ha expuesto sus obras en el edificio de Tabacalera en San Sebastián durante este verano. Para finalizar, decir que los americanos definitivamente nos han robado un actor; se llama Javier Bardem y lo más seguro es que además del Globo de Oro que consiguió ayer, se haga con el Oscar, por su papel "secundario" en la última de los Coen: No Country for Old Men, película que se estrena pasado mañana en Reino Unido.

Os adjunto un video con una jugosa declaración de Bardem al recoger el Premio de la Crítica de Nueva York.



Sin más, saludos a todos, otra vez desde Swansea y ahora en vísperas de examenes.

Curb Your Enthusiasm - Larry David

Llevo prácticamente un mes sin publicar nada en este insulso blog, la vuelta a Donostia y las fiestas me han condicionado bastante, a todo esto, en este tiempo hemos cambiado nuestros calendarios, así que feliz 2008 a todos. Hasta que he encontrado algo "interesante" que contaros y las ganas no me he animado a relegar la primera plana de Rocco. Voy a hablar de una serie que no conocía y me ha sorprendido muchísimo, la emiten en la sexta a partir de la una y media de la noche, y es diferente, muy diferente, se llama Curb Your Enthusiasm - Larry David. Y me va a servir de excusa para hablar de un par de temas que me interesan.

El debate ficción realidad no es algo nuevo en el cine, digo cine porque no quiero que el término serie sirva de escudo para nadie, además es un producto de la HBO, por lo que se puede presuponer que debe competir en calidad. La nueva ola francesa a finales de los años cincuenta postulaba con fuerza a cerca del objetivo último del cine, de la posibilidad o imposibilidad de la ficción pura, así como el acercamiento de la realidad al espectador. La influencia de ese olvidado movimiento en el cine actual es gigantesca, desde el aclamado Tarantino hasta las primeras obras de Scorsese, así como en el movimiento contemporáneo con más sonoridad denominado Dogma 95. Este movimiento apuesta por limitar las posibilidades técnicas que se han desarrollado en los 100 años de historia del cine en diez pautas de conducta cinematográfica inamovibles. El grupo liderado por Lars von Trier, aunque denostado por el gran público, está revolucionando la forma de hacer cine. Os adjunto un clip de la serie, está en inglés, pero se deja entender bastante.

La cámara en mano o doméstica, por un lado, y la mezcla realidad ficción por otro, son las dos apuestas fundamentales que pone encima de la mesa Larry David. Es una apuesta de autor y muy europea por decirlo de algún modo, pero por momentos peca de pretenciosa. Por ejemplo, introduce planos y contraplanos de una especie de imagen doméstica lo cual me choca un poco, además el montaje se aleja muchísimo de cualquier dogmatismo. Sin embargo, me parece fenomenal que se realicen este tipo de apuestas, si cada productor intentara algo diferente nos enriqueceríamos todos. El año 2002 recibió 2 nominaciones a los Premios Emmy. El 2003 obtuvo 10 nominaciones a los mismos premios, y el Globo de Oro a la mejor serie de TV en musical o comedia, y para el año 2004 ha recibido 8 nominaciones a los premios Emmy.

Que importante recomendación de películas

He añadido dos nuevas películas a la lista de las indispensables, sé que ya son muchas, pero estas dos se merecen entrar y de largo. Son El hombre que nunca estuvo allí y La lista de Schindler, ambas en blanco y negro, mi color favorito (joder que mal estoy). Tranquilos que no son tan antiguas, blanco y negro no es necesariamente sinónimo de viejuno, estos realizadores perfectamente podían echar mano de toda la gama cromática, lo que pasa es que muchas veces el blanco y negro se utiliza como recurso lingüístico en pantalla. Por ejemplo, el cine negro difícilmente lo es cuando hay colores de por medio.

El hombre que nunca estuvo allí

Los Coen con este alarde de dominio técnico y narrativo reafirman una vez más que son los maestros del cine negro moderno. En esta ocasión un ayudante de peluquero, que no se siente peluquero, interpretado por un magistral Billy Bob Thornton, nos cuenta desde la absoluta indiferencia su historia, una de esas que te deja los pelos como escarpias. No quiero adelantar nada del argumento, ya que no quiero mal narrar lo trascurrido en dos horas de película, que fluyen ante nosotros con una fotografía sublime. Se estrenó en 2001, curiosamente fue filmada en color y afortunadamente fue distribuida en blanco y negro.

No te la puedes perder. El reparto es espectacular empezando con el pequeño e interesante papel de una jovencísima Scarlet Johanson, Frances McDormand (la policía de Fargo), James Gandolfini (el mandamás de los Soprano) y el ya mencionado Billy Bob Thornton.

Palma de oro mejor director en Cannes 2001.

Ganadora del AFI 2002 por su fotografía (Roger Deakins) y nominada al Oscar en esa misma categoría.

Presentada en Zabaltegi en el Festival de cine de San Sebastián de 2001.

La lista de Schindler

La niña del vestido rojo. En ese color rojo, en esa niña estaba depositada la esperanza de Schindler, pero la esperanza se tornó en desesperación, agonía: el holocausto. Obra fundamental para entender el sentimiento de la mayoría de los alemanes ante lo que supuso la barbarie más famosa de la historia de la humanidad. Esta magnífica cinta de Spielberg, sin duda su mejor película, que anecdóticamente triunfó en la gala de los Oscar. Y digo que es una anécdota, porque es un premio menor, si lo comparamos con la repercusión que ya tiene esta obra en la historia del cine, dado su valor como película y como documento de la mayor tragedia del siglo XX.

Es una película que nadie se puede perder, ¿qué son tres horas en una vida?, pues aprovechémoslas para ver algo hermoso.

1993: 7 Oscar: película, director, guión adaptado, montaje, banda sonora, dirección artística, fotografía

Mus Muerto

Corto realizado por Telmo Iragorri, sin dinero, ni actores profesionales. Esta realmente muy bien, cualquiera no es capaz de hacer eso con tan pocos medios. Se me ocurre que podría ser el comienzo de una futura película, pero bueno, tiempo al tiempo.



P.D.: Que envidia, con las ganas que tenía de hacer una cosilla de estas. Espero que haya un papel para mi la próxima vez, aunque sea solo parte del decorado. Ya se sabe que tengo una dilatada experiencia como árbol de Navidad, con eso de que llegan esas fechas.

Soy de trapo

Divertida declaración de un reconocido pelele, que incluso ha trabajado en Hollywood. Corto que dura unos 10 minutos, con un argumento realmente curioso. Estelar es la aparición de Epa, al que alguno de vosotros reconoceréis: "la tripa dura, tú tienes que poner la tripa dura".

Cine de autor

La última película de Gus Van Sant se puede considerar el culmen de una triología ideológica en la que el cienasta norteamericano deja a un lado cualquier tipo de convencionalismo, para mostrarnos una forma original de hacer cine. Cercana a la doctrina impulsada por Lars Von Trier en 1995, que junto con un grupo de directores de vanguardia, escribió un decálogo de pautas para hacer cine denominado dogma 95.

Este hecho da un gran valor a la obra de Van Sant, en contraposición, he de decir que no son fáciles de ver. Last Days resultará una película atractiva para el que valore las innovaciones formales y de contenido, pero para el público en general puede resultar rara y lenta. La película se centra en los últimos días de Blake, personaje basado en Kurt Cobain. No quiere ser un biopic de Nirvana, ni una biografía. No es la primera vez que el director se basa en hechos reales para filmar una película, Elephant quiere ser un reflejo aproximado de lo ocurrido en la matanza de Columbine.

En fin, película difícil, de la que se pueden extraer dos escenas. La primera, una muy divertida en la que un empleado de páginas amarillas visita a Blake, quien le recibe con un vestido de mujer y completamente colocado. Y otra en la que se refleja a la perfección el proceso creativo de una canción de la mano del protagonista.

No es Kill Bill, pero me vale

Inspirados en las sesiones de cine de los Grindhouse (salas donde, en los años setenta, se proyectaban las clásicas "exploitation", películas de bajísimo presupuesto en las que el terror, la violencia y el sexo campaban a sus anchas), Tarantino y Robert Rodríguez, nos presentan Death Proof (31 agosto) y Planet Terror ( 3 agosto) respectivamente, englobadas en un proyecto llamado Grindhouse que incluye también falsos trailers de Eli Roth, Rob Zombie, entre otros.

En los países anglófonos con la compra de una sola entrada te ofrecen más de tres horas de cine terroríficamente sangriento. En España tendremos que conformarnos con ver por separado cada una de las dos películas, yo ya tengo claro cual voy a ver (Tarantino!!!!). En ambas hay guiños a los Grindhouse americanos, donde las películas normalmente estaban deterioradas, faltaban rollos, etc. De forma que a veces se va la imagen, toda la película se ve deteriorada, por ejemplo con matices rojos. Death Proof
Dirigida y escrita por Quentin Tarantino, es un homenaje a las películas de los años 60 y 70. Mezcla dos estilos: Road Movie y serie B, como siempre con genialidad tarantiniana: guión radical, combinado con una fotografía y música como siempre espectacular. Estará protagonizada por Kurt Russell y Rosario Dawson y cuenta la historia de un psicópata que atropella chicas con su bólido, ya sabéis mucha sangre, pero eso sí, muy cuidada.

Planet Terror

Dirigida por Rodríguez, película de zombies protagonizada por Freddy Rodríguez, Rose McGowan, etc. Afectada por un virus, la gente se convierte en un ejército de agresores enloquecidos. Una bailarina de striptease lisiada, y su ex-novio dirigen un espontáneo equipo de guerreros, con el objetivo de acabar con los zombies. En definitiva, infinidad de muertos y unos cuantos afortunados supervivientes que lucharán por encontrar el último rincón seguro en el mundo. Según alguna crítica que he leído, está a años luz de la de Tarantino. Sangre, pero poco cuidada.

Cartas desde Iwo Jima

Del imperialismo más proteccionista a la teoría Z

No he querido empezar la sección con una película cualquiera, no quiero decir tampoco que se trate de una obra maestra. Sin embargo, puede ser uno de los mejores trabajos que se han hecho en el cine en lo que va de siglo, aunque es preferible no categorizar. La última cinta de Clint Eastwood “Cartas desde Iwo Jima”, no será una obra maestra, pero es una de las mejores películas del, a veces, irregular (Space Cowboys, Deuda de sangre) director Norteamericano.

En primer lugar, quiero destacar la originalidad del proyecto. Como sabréis la mayoría, “cartas” es la visión japonesa de la batalla más decisiva para el desenlace final de la II GM en el frente del pacífico. Mientras que “Banderas de nuestros padres” nos presenta lo que supuso esa misma confrontación para el bando americano, destapando uno de los primeros casos de mediatización bélica. Eastwood saca mucho más jugo a la versión japonesa del conflicto. Zambullendo al espectador desde el primer momento en una experiencia única, un grupo de militares nipones esperando un fin inevitable. Refleja a la perfección la tradicional jerarquización y el profundo sentido del deber de la cultura japonesa, que fomenta el sentido grupal frente al individual.

En este contexto cultural, aparece un general con técnicas aprendidas en EEUU, que es capaz de mezclar lo mejor de la cultura japonesa con la eficiencia de la anglosajona. A esta conjunción, estudiada por W. Ouchi, se le denomina teoría Z y será la que a la postre hará de Japón la potencia económica que conocemos hoy. Por otro lado, nos encontramos la historia de un joven representando el individualismo, que lucha por su supervivencia motivado por el deseo de reencontrarse con su amada.

En fin, cruda donde tiene que serlo, a la par de sensible y profunda cuando la situación lo exige. No podemos olvidar la forma de exprimir cada interpretación, fenomenal Ken Watanabe en el papel del general Kuribayashi (El último samurai, nominación oscar 2004).

4 NOMINACIONES A LOS OSCAR 2007 - Mejor película- Mejor director- Mejor guión original- Mejor edición de sonido

1 GLOBO DE ORO 2007 - Mejor película de habla no inglesa- Nominación: Mejor director
ASOCIACIÓN DE CRÍTICOS DE LOS ÁNGELES- Mejor película 2007

HIjos de los audiovisuales

Me encantaría poder abrir una sección de literatura en mi blog, pero inevitablemente me críe en un mundo dominado por lo audiovisual. Para muchos, esto nos ha llevado a una irremediable estupidez generalizada. Aunque se den muchos casos, no se debe a que nuestra generación se haya criado con una televisión encendida continuamente en el salón y otra en cada habitación; hemos mamado el vhs y nos hemos acostado con el cine en casa, y vimos morir la cinta y el vinilo, fuimos aplastados por el nacimiento del CD, ahora en peligro por la explosión de los MP3.

Que en nuestro crecimiento cultural hayan predominado los audiovisuales, no significa que seamos menos. Sabemos más de lo que sabían nuestros padres y lo que no hayamos aprendido lo tenemos en internet, todo al alcance de la mano, y tiempo de sobra, para aprender y disfrutar, sin duda unos privilegiados. Utilizando internet podemos recrearnos en nuestras aficiones, sin límite de información ni de horarios. Estamos más preparados en muchísimos aspectos y lo estarán más las generaciones futuras, pizarras sin tizas y profesores virtuales es lo que espera a nuestros hijos.

Os preguntaréis a qué viene todo esto, sólo quería decir que internet me ha servido para recrearme aún más si cabe en el mundo del cine. Páginas web como http://www.filmaffinity.com/ (servidor sobre cine espectacular, base de datos mejorable) o http://www.labutaca.net/ (boletín semanal de estrenos en españa) y el e-mule, me han ayudado a ampliar mi perspectiva cinematográfica, por no hablar del programa de Gasset “Días de cine” o revistas del tema, por favor, no lean el fotogramas. Mi obsesión por el cine últimamente es tal, que un día me dio por empezar a criticar las películas que estaban dentro de mis posibilidades. Así pues, iré colgando mis “críticas”, poco a poco, si alguien se las lee, muy bien, y si no, también. Con esto queda inaugurada la sección “Qué importante es el cine”.

P.D.1: Si ya han hecho la peli no te leas el libro.
P.D.2: Soy una víctima, quisiera haber leído más.